Cosas que no vienen al caso

Por:  Iván Cigarroa  -La búsqueda de un sonido que satisfaga a todos es la constante en un grupo o colectivo. A veces se logra algo que, inexplicablemente, se vuelve masivo; otras se siente forzado el proyecto; pero existen otros más que hasta que logran convencerse del resultado, porque lo más importante es estar satisfecho con ello. Este es el caso de Wet Ashes.  Mediante un indie rock con reminiscencias a Sonic Youth, The Libertines o The The, esta banda mexicana radicada entre Guadalajara y California, y conformada por ex miembros de Sussie 4 y Azul Violeta, así como el vocalista Ángel Soto, supone un sonido novedoso y fresco en The Main Mane , que además se percibe distinto desde el arte de la portada. Las 10 canciones se deshacen fácil entre guitarras electroacústicas y atmósferas oscuras, con letras en inglés que sirven como crónicas de las vivencias de Ángel, aunque con cierto aire melancólico. Y aunque fue lanzado en 2018, en retrospectiva se percibe como un disco que se decan

Por:  Jakmer -¿ De qué va hoy está pequeña guía? Es para escuchar el segundo material y sentir la furia y el dolor con resignación. Para entrar en contexto tengo que presentar este súper grupo de malandros, que con una idea surgen los Serpyants, con miembros de, Los Tormentas, Gula, Sr. Bikini, Hummersqueal , Los Ateos, Bestia, todos de la escena independiente de la CDMX, con una mezcla de varios géneros musicales. Con una alineación conformada, en agosto de 2018 sale su primer material Desierte y dos años más tarde llega Ritos Falsos. Con su sonido violento de entre punk, death, crust y géneros parecidos y violentos. Con el segundo material reafirman el sonido de la banda, con solo siete cortes musicales, que da una sonido más crudo y unas letras con furia, dolor, reclamos y resignación, que dice que el metal no puede haber dolor, sacar lo que te lastima, así va este material. La apertura con un grito de furia da la llegada a Índigo, el reclamó a la hipocresía de todo la furia de N

Por:  Iván Cigarroa  -El sonido de Imagine Dragons es muy particular. Baterías potentes, voz con gran presencia, guitarras acústicas y bajos graves. Tú ya lo conoces. Y aunque no deja de ser pop rock, la realidad es que han marcado un camino que muchos siguen, pero se quedan en el camino.  Y a 10 años de su álbum debut llega Mercury Act 2, secuela del lanzado el año pasado y que supone un momento de creatividad bastante alto. Editado en discos separados como lo hiciera Guns N' Roses en 1991, este disco tiene una dirección muy distinta a los cinco anteriores, incluso a la primera parte de este álbum. Ahora la banda estadounidense decidió centrarse en el hip hop. Con esa influencia como punto de partida, este disco explora el ritmo negro más destacado en los últimos 30 años sin abandonar su estilo, el mismo que referí al principio. Así que el riesgo es alto. ¿Y cómo suena? Bueno, hay un trabajo de vocalización muy importante. Es como cuando Butch Vig habló del tercer álbum de Garba

Por:  Iván Cigarroa  -Drake es de los raperos que compone, graba y produce con más constancia. Este es su séptimo album de estudio en tan solo 12 años de carrera, algo que otros bien podrían envidiarle -y deberían-, porque más allá de su poder adquisitivo, ésto le permite acoplarse a los tiempos, pasando de un hip hop muy orientado al R&B hace diez años, para pasar al house y trap. Con gracia y elocuencia. Pum. Entiendo si para muchos ese cambio no es del todo bien recibido. Se suele comparar el reaggetón con el trap solo por ser urbanos. Es como pensar que King Crimson y Auténticos Decadentes son lo mismo solo por ser rock, y miren que hasta ese término -y la comparación- va a generar una eterna discusión. Pero no. Trap y reaggetón no es lo mismo, aunque pueden fusionarse. No pasa nada. Drake lo vuelve a hacer en este disco y entrega una producción elegante, que al adentrarse en el trap y house borra la idea de que los raperos deberían ser, o gangstas como en su momento lo fueron

Por: Maricelita Palma -¡Señores! Hoy les voy a presentar el disco del mes de éste su bonito blog de confianza... está bien, del día, tal vez exagero un poco a esta hora de la mañana. Se trata del primer disco de larga duración de Plastilina Mosh, ese dueto surgido de las entrañas de los circuitos subterráneos del rock regio, conformado por Alejandro Rosso González y Juan José González Reyes: Rosso y Jonaz, quienes se conocían por formar parte de diferentes agrupaciones como Acarnienses y Koervos de Malta. En algún momento de la década de los 90 decidieron juntarse para armar una banda que diera rienda suelta a su creatividad reprimida. Fijaron un plazo específico para hacer explotar la escena con su música y así comienza la historia. Rosso trabajaba en un estudio de grabación al que ingresaba con su compa Jonaz en la clandestinidad de la noche, ahí crearon la primera pieza como, Plastilina Mosh: Niño Bomba , un tema en aquel entonces divertido y polémico. Fabrizio Onetto, mejor conocid

Por:  Iván Cigarroa  -El éxito de Soccer Mommy es mantenerse fiel a su sonido, a sí misma. Y le ha funcionado bastante bien porque con solo tres discos de estudio ha logrado poner a sus pies a la crítica especializada y hacerse de una interesante cantidad de seguidores. Eso no es fortuito, es trabajo constante.  Así que para Sometimes, Forever la artista estadounidense cuyo verdadero nombre es Sophie Allison refleja una etapa en su vida, aquella en la que caes en cuenta que nada es para siempre, ni el dolor ni la felicidad, así que hay que avanzar con cosas nuevas. En once cortes con un sonido que evoca a los primeros años de la década de los dos mil, Soccer Mommy se pasea como pez en el agua ofreciendo un indie rock pop muy digerible con letras introspectivas, con el punch necesario para convocar a las masas en cualquier festival en que se presente.  Su sonido me recuerda a bandas como Best Coast o artistas como Natalie Imbruglia y Avril Lavigne , asi que la frescura está garantizada

Por: Álvaro Fong - Qué complicado es reseñar un disco de Animals As Leaders. Me explico: ellos son un trío de música experimental, sin vocalista, que son considerados virtuosos en sus respectivos instrumentos. Y es difícil reseñarlos porque su música, si bien es de un altísimo grado de complejidad, es tan dispersa, que es difícil encontrarle una línea conductual a cada uno de los temas que componen su nuevo disco de estudio llamado Parrhesia. Para quien no conozca a Animals As Leaders, permítaseme decir que son un trío de metal progresivo instrumental estadounidense. Se conforma por Tosin Abasi en la guitarra, Javier Reyes en la otra guitarra y Matt Garstika en la batería. Un eterno palomazo, esa es su música. Llena de matices de djent, algo de funk y momentos melancólicos al estilo Pink Floyd , la propuesta de Animals As Leaders, a mi entender, tiene dos puntos encontrados. Uno: no es necesario que los hayas escuchado antes para que en uno de sus conciertos puedas “sumarte” a su leg

Por: Jairo Guerrero  -Antes de ir en materia con Rockets, debo hacer un breve prólogo del Space Rock, para entender de que va el sonido de esta mítica banda. El término Space Rock se utilizó para indicar un género musical particular en dos periodos históricos diferentes. En el primero, que se originó a principios de los años 70, como un subgénero del rock progresivo como el de Pink Floyd, Hawkwind y Gong; bandas caracterizadas por sonidos y letras que sugieren contextos atmósfericos. El segundo periódo, en la segunda mitad de los 70´s, abraza el sonido de algunos grupos que reciclaron el concepto de "ciencia ficción" obteniendo en muchos casos resultados muy cercanos a la música disco. Uno de estos grupos fue: The Rockets (Francia/Italia). Rockets fueron alienígenas musicales que desde su imagen y su música, pretendieron mostrarse como seres de otro mundo. Su imagen robótica embadurnada de pintura metálica de pies a cabeza, y efectos, sintetizadores y guitarras llevadas a un

Por:  Iván Cigarroa  -Con el rocksteady two tone y ska tradicional por bandera, The Big Browns irrumpe en la escena con un álbum homónimo lleno de energía, buena vibra y una colección de canciones que no pueden pasar sin pena ni gloria ante cualquier melómano. Formados en Ciudad de México por exintegrantes de otras bandas del estilo, este álbum es la confirmación de todas las influencias de cada uno, logrando un estilo propio, lo suficiente como para hacerse de un lugar en la escena. Mucho de lo que está contenido en esta producción intenta ir más allá de la clásica y mal definitoria frase el ska es agricultura. Porque si bien denota un estilo de vida, no refiere por completo el sentido ni el concepto de The Big Browns; y no es que se salgan de la línea tradicional, pero la producción y el sonido sí marcan una seria diferencia con otros proyectos. Por ejemplo, si bien la idea de grabar covers en cualquier banda puede pudiera denotar una falta de creatividad, ellos la compensan apuntan

Por:  Iván Cigarroa  -Regina Spektor tiene una magia encantadora en cada uno de sus discos, no necesita ser una artista mainstream que llene estadios, que haga videos polémicos, trabajar con grandes artistas, ni participar en programas televisivos o series de plataformas de streaming para hacer famosa, reconocida. Y ahí sigue, generando hermosas canciones y enfocándose en eso porque es lo que mejor sabe hacer. Home, Before And After es un disco compuesto durante la pandemia, y el título bien podría hacer referencia a cómo vivimos antes y después del Covid-19 en nuestro hogar. Y con él tambien rompe un silencio discográfico de 6 años, tiempo en el que fue madre por segunda ocasión y guardó luto por el deceso de su padre. En esencia, lo que se encuentra contenido en su octavo disco es una colección de 10 canciones donde el piano de cola y la voz suave y melodiosa de Regina son los ingredientes principales, pero a pesar de ese predominio también hay una sección de cuerdas, bajos, guitarr

Por: Jakmer  -¿Qué tan complicado es hacer una canción, para tu banda, con una temática de ser punkis, como se autodefine este dúo de la CDMX con batería y bajo? Hacen un ruido satisfactorio para entrar a hechar madrazos en el mosh. Después de sacar su material de Triunfos Pasados en 2019, para sorpresa de muchos llegan con un EP corto pero con un gran poder: +525564617366.  Es algo raro que un material tenga como título un número telefónico, pero ¿qué esperabas de un dúo que está lleno de ironía? Con este material también se edita un lindo vinil con tres colores diferentes, varios pensamos que este dúo ya estaba por desaparecer, dado que sus integrantes estaban en otros proyectos. Marcar el número es una gran curiosidad, para ver si te contestan, según esto es el número de una disquera o algo así. Buzón de Voz es la entrada al material, es la definición de cuando marcas a una persona, de un jalón te manda a buzón, ¿no te da coraje eso? Más cuando es una urgencia. Acordes más baterí

Por:  Iván Cigarroa  -Probablemente cualquiera dirá que no le importa, pero debo decir que lo dudo. El dolor ajeno es placer en cada uno, es un lado oscuro que, como humanidad, entendemos muy bien pero evitamos compartirlo. Ahora, en el caso de Amenra, banda  belga de post metal formada en 1999, exteriorizar esos sentimientos se vuelve más poético que morboso.   En esencia, De Doorn aborda el dolor de un hombre enfermo que, para empeorarlo todo, tuvo qué enfrentar la muerte de su hija. Esto puede pasarle a cualquiera, ¿no? Y solo necesitamos poner en perspectiva las líricas de Amenra para entender lo duro que es llevar una vida así. Aquí es donde entra ese pensamiento de sentir compasión o el morbo por presenciar el dolor ajeno. Ese dolor tan antiguo, sempiterno, por la pérdida de un ser querido, es tan grande y profundo, que la banda lo aborda de forma fatalista. Pereo como buen álbum conceptual, también ofrecen una especie de redención. Un momento de relfexión luminosa que deja, ent

Por:  Maricelita Palma  -Hace mucho tiempo surgió en la mente del productor Pablo Sánchez, de Producciones Peligrosas, invitar a sus amigos indie, rockeros, poperos y flamencos que han pasado por ese emblemático estudio, a crear un homenaje a la ciudad que los vio nacer: Granada. Fue así como con la ayuda de Nicolás Hernández, de la banda El Hombre Garabato, que además fungió como banda base de este disco, que surge  El Ombligo de la Luna , una placa que vio la luz hace unas semanas y que tiene como propósito extra el de reunir recursos y ayudar a la Fundación Escuela de Solidaridad, enfocada al apoyo de personas en riesgo de exclusión y marginación. El conjunto de canciones representó todo un reto, pues cada banda reversionaria a otra desde su propio estilo, que dicho sea de paso es completamente diferente. Abriendo el disco con  Vuelvo a Granada , original de Miguel Ríos, está vez en manos de Lori Meyers quien le dio un toque fresco y potente a la versión original. A Miguel Ríos l